Indomável Sonhadora: Educação, cuidado e persistência em tempos de colapso climático

Desenhar nas paredes é uma das expressões artísticas mais antigas. Arte rupestre consiste em um enorme guarda-chuva para produções datadas há mais ou menos 15 a 5 mil anos atrás de várias partes do mundo, como a caverna de Lascaux, na França, Altamira, na Espanha, Patagônia, na Argentina e Serra da Capivara, aqui no Brasil, onde encontramos desenhos preservados nas paredes de cavernas. Geralmente esses desenhos representam momentos cotidianos, animais, caçadas. São muito comparadas na contemporaneidade com o grafite, pela sua relação com essa marca da sua existência diretamente nos objetos do mundo real. 

Essa é uma das maneiras que Hushpuppy (Quvenzhané Wallis), protagonista do filme Indomável Sonhadora, nossa próxima sessão, encontra para lidar com sua realidade: marcar os objetos e as paredes de sua casa com seus desenhos. Hushpuppy vive em uma região chamada Banheira, no sul da Louisiana, nos EUA, do lado de dentro de uma barragem construída para impedir que as águas lamacentas avancem sobre as partes mais interiores do continente. Essas águas, resultado do derretimento das calotas polares e de tempestades avassaladoras, são consequência das transformações ambientais provocadas pelo modo de produção capitalista. 

Acompanhamos a jornada de Hushpuppy sob seu olhar de criança, descobrindo com ela o mundo a sua volta, sua rotina e a falta de rotina, em círculos pela Banheira. Sua casa faz parte de uma comunidade de pessoas que se recusam a deixar sua terra e viver nos abrigos, chamados por ela de aquários sem água, do outro lado da barragem. Ela cuida de animais com seu pai, mais ou menos ausente, e frequenta uma escola improvisada em conjunto com crianças de idades diferentes.  

Há uma beleza que a fotografia do filme consegue retratar nessa realidade de meio caminho andado para o apocalipse climático. Mesmo vendo casas submersas, destroços se tornando barcos improvisados, fome e doença, essa escolha de continuar buscando a sobrevivência, mesmo já tendo perdido para as respostas da natureza,  nos faz sentir algo entre um abismo de pessimismo e um pico de esperança. Essa indomável persistência humana, tanto por parte do povo da Banheira quanto das instituições do outro lado da barragem, é espelhada em uma das partes mais fantasiosas da obra, na qual feras antigas – um tipo de superpredador primitivo que estava congelado nas geleiras, retornam àvida e começam uma caminhada sempre em frente, devorando tudo ao seu alcance. 

Aguardamos ansiosamente pela presença de todes nessa próxima sessão, em parceria com o Laboratório de Estudos Queers em Educação. Dia 21/10, às 16h, no Auditório Manoel Maurício/CFCH, vamos pensar com o filme em torno do tema da mesa: Educação, cuidado e persistência em tempos de colapso climático, com (as)os convidadas(os) Ana Paula Valle Pereira (UFF) e Jorge Felipe Marçal (CAp-UFRJ). Até lá! 

Texto: Ana Carolina Alves Gonçalves – Bolsista PIBIAC do projeto Pedagogias da Imagem

A educação e os fins do mundo, na sessão de outubro

No dia 21 de outubro, às 16h, o cineclube Pedagogias da Imagem exibirá o filme ‘Indomável sonhadora’ (Beasts of the Southern Wild – E.U.A., 2012), de Benh Zeitlin, seguido da mesa ‘Educação, cuidado e persistência em tempos de colapso climático’. Teremos a alegria e a honra de contar com a participação de:

Ana Paula Valle Pereira
Professora de Ciências em Angra dos Reis (RJ). Licenciada em Ciências Biológicas, Mestra e Doutoranda em Educação, todos pela Universidade Federal Fluminense (UFF). Pesquisa temas relacionados à Educação Ambiental, às relações entre natureza e cultura, ao Ensino de Ciências e Biologia, às relações entre educação e cinema e aos estudos multiespécies. Integrante do grupo Entre-mundos: ecologias, pedagogias, culturas.

Jorge Felipe Marçal
Professor de Biologia e atual diretor adjunto de Ensino do Colégio de Aplicação da UFRJ (Cap-UFRJ). Mestre e doutor em Educação pela UFRJ, desenvolve estudos curriculares na interseção com as relações étnico-raciais, os estudos queer e feministas e os estudos da ciência e da tecnologia. Integra o Laboratório Encruzilhadas e o Laboratório de Estudos Queer e Educação (LEQUE).

O que ensinar no fim do mundo? Por que ensinar? A mesa propõe uma conversa sobre a educação em cenários de colapso climático, violência e instabilidade, interrogando tanto os sentidos do ensino quanto as formas de imaginar e construir a vida em condições adversas. A mesa abordará as relações entre humanos e mais-que-humanos, as práticas de cuidado e as possibilidades de uma educação que reconheça outras formas de existência e de relação com o mundo.

Ao reconhecerem as persistências, as fissuras que se abrem nos cenários de destruição – entre a invenção de formas possíveis de vida e a teimosia em sustentá-las -, a mesa convida a pensar de que formas a educação e o ensino de ciências podem participar da construção de outros modos de existir e imaginar futuros, sobretudo quando as promessas de futuro parecem ameaçadas.

A sessão acontece no Auditório Manoel Maurício, do Centro de Filosofia e Ciências Humanas (CFCH). A entrada é franca e a atividade é voltada para o público geral, indicada para pessoas a partir de 16 anos. Faça sua inscrição abaixo: 

https://forms.cloud.microsoft/r/Jm1MCgp7K9


🗓️ Data: 21/10/2026
⏰ Horário: 16h
📌 Local: Auditório Manoel Maurício – CFCH (Campus Praia Vermelha – Avenida Venceslau Brás, 71 – Botafogo)

‘Christine’ e as violências silenciosas do cotidiano na sessão de setembro

Na última quarta-feira do mês, dia 30 de setembro, às 16h, o cineclube Pedagogias da Imagem exibirá o filme ‘Christine’ (2016), de Antonio Campos. Baseado em uma história real, a produção estadunidense é uma ficção que gira em torno dos últimos dias da jornalista Christine Chubbuck (interpretada, no filme, por Rebecca Hall).

Após a exibição, teremos a mesa ‘Mulheres, mídia e trabalho: feminismo, violência e relações de poder’, com a participação de:

Tatiane Leal

Doutora e mestra em Comunicação e Cultura pela Escola de Comunicação (ECO-UFRJ). Professora da ECO e do PPGCOM-UFRJ, jornalista pela mesma instituição. Vice-líder do Núcleo de Estudos de Mídia, Emoções e Sociabilidade (NEMES-CNPq). Desenvolve pesquisas em Comunicação e Estudos de Gênero, com ênfase em gênero e sexualidade, teoria feminista, emoções, subjetividade, discurso e divulgação científica. Realizou pós-doutorado em Divulgação Científica no INCT-CPCT, sediado na Fiocruz. É autora do livro A invenção da sororidade: sentimentos morais, feminismo e mídia.

Karla Valle

Doutora e mestra em Serviço Social pela UFRJ, é assistente social do Tribunal Regional do Trabalho do Rio de Janeiro (TRT-RJ). Atua na área de Saúde do Trabalhador e foi integrante do Grupo de Trabalho TST/CSJT para implementação e acompanhamento da Política de Prevenção e Enfrentamento da Violência, do Assédio e de todas as formas de Discriminação na Justiça do Trabalho. Foi ouvidora externa da GIZ Brasil para casos de violência laboral, assédio sexual e assédio moral. Desenvolve estudos sobre mundo do trabalho, violência laboral, assédio e sofrimento no trabalho.

Teremos a alegria e a honra de recebê-las em nossa sessão de setembro, para pensar com o filme e o público sobre as questões que ele suscita, tais como a cultura do espetáculo, gênero, mídia, relações de trabalho, assédio moral e saúde mental. De que modo estas dimensões atravessam a formação dos sujeitos, os espaços de trabalho e as narrativas midiáticas contemporâneas?

A sessão acontece no Auditório Manoel Maurício, do Centro de Filosofia e Ciências Humanas (CFCH). A entrada é franca e a atividade é voltada para o público geral, indicada para pessoas a partir de 16 anos. Faça sua inscrição abaixo: 

https://forms.cloud.microsoft/r/A4h1qb09pX

🗓️ Data: 30/09/2026
⏰ Horário: 16h
📌 Local: Auditório Manoel Maurício – CFCH (Campus Praia Vermelha – Avenida Venceslau Brás, 71 – Botafogo)

Mulheres, mídia e trabalho: feminismo, violência e relações de poder


O que faz uma vida ter valor? Na sessão de setembro, o Pedagogias da Imagem exibirá o longa Christine (2016), de Antonio Campos.  

A performance de Rebecca Hall como a repórter Christine Chubbuck recebeu grandes elogios do público e da crítica, lidando com as temáticas pouco palatáveis do filme de forma profunda. Antonio Campos, estadunidense de ascendência brasileira e italiana, estreou no Festival de Cannes em 2008 com Afterschool, e possui interesse por trabalhar temas sombrios nas suas obras. 

Acompanhamos o trajeto da repórter Christine, nos últimos momentos que antecedem seu trágico e chocante suicídio televisionado ao vivo na cidade de Sarasota, na Flórida, no ano de 1974. Christine é atravessada por um sentimento de estagnação, já próxima dos trinta anos, vendo sua vida passar e se sentindo pressionada por não conseguir conquistar os marcos sociais esperados de uma mulher estadunidense moderna: família e carreira. Ela ainda mora com a mãe, o que é visto como um atraso, enfatizando essa falta de correspondência financeira e social com o “sonho americano”. 

Ao mesmo tempo em que possui esse desejo de conexão, ela se expressa como uma pessoa fechada, em decorrência de sua natureza introvertida e de sua saúde mental, que trata com um psiquiatra. No trabalho, ela não é reconhecida propriamente pelas suas habilidades, em comparação com seus colegas homens, trabalhando em programas de menor importância. A emissora também induz Christine a cobrir os eventos locais de forma mais sensacionalista, em virtude do momento de turbulência política pelo qual o país passava, envolvendo o caso Watergate e precedendo a renúncia de Nixon na presidência. Christine também faz trabalho voluntário, mas não chega a ser suficiente para preencher seu vazio.  

Esperamos por todes no dia 30/9, às 16h, no Auditório Manoel Maurício/CFCH, para a sessão do filme seguida da mesa ‘Mulheres, mídia e trabalho: feminismo, violência e relações de poder’, com as convidadas Tatiane Leal (ECO-UFRJ) e Karla Valle (TRT-RJ). Até lá! 

Texto: Ana Carolina Alves Gonçalves – Bolsista PIBIAC do projeto Pedagogias da Imagem

Centenário de Gilles Deleuze com Alain Resnais, na Cinemateca do MAM

Na inauguração do segundo semestre do cineclube Pedagogias da Imagem, em sessão conjunta com o GEPE – Grupo de Estudos e Pesquisas em Estética da Universidade Federal do Recôncavo da Bahia (UFRB), o projeto celebra o centenário do filósofo Gilles Deleuze com uma programação especial na Cinemateca do MAM. Teremos a exibição do filme O ano passado em Marienbad, seguido da mesa O tempo fora dos eixos: um século em variação com Deleuze.

Ambientado em um luxuoso e enigmático hotel, ‘O ano passado em Marienbad’ (1961) desenvolve uma narrativa sinuosa e não-linear, centrada no encontro casual entre um homem e uma mulher e na incerteza sobre um possível encontro entre os dois no passado.

Marco do cinema moderno, dirigido por Alain Resnais e escrito por Alain Robbe-Grillet, o filme é representativo de elaborações conceituais de Deleuze, especialmente por sua estrutura labiríntica, que evoca o que ele chamou de um cinema “do cérebro”. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza e indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original.

O encontro tem como objetivo celebrar e pensar a contemporaneidade do pensamento de Gilles Deleuze, em articulação com as artes e o cinema. Deste modo, o filme será o disparador para pequenas intervenções dos convidados, e do debate com o público, ativando caminhos para pensar com Deleuze e o cinema.

A programação especial contará com a participação de:

Veronica Damasceno
Doutora em Filosofia pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ), com pós-doutorado no Departamento de Filosofia da Université Paris-1 Panthéon-Sorbonne, onde também é professora convidada. Professora Associada do Departamento de História e Teoria da Arte da Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ) e pesquisadora associada no Departamento de Filosofia da Université Paris-Nanterre. Sua pesquisa atual se concentra nas relações entre Arte e Filosofia em Gilles Deleuze, abordando temas como sensação, virtual, imagem, dramatização e individuação.


Auterives Maciel Junior
Filósofo, doutor em Teoria Psicanalítica pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Professor do Mestrado e Doutorado em Psicanálise, Saúde e Sociedade da Universidade Veiga de Almeida (UVA), e também leciona na Pontifícia Universidade Católica do Rio (PUC-Rio). Tem experiência na área de filosofia, com ênfase em estudos sobre subjetividade e trânsitos interdisciplinares entre a filosofia, o cinema e a psicanálise. Autor, dentre outros, do livro ‘O todo‑aberto: duração e subjetividade em Henri Bergson’.

Pablo Zunino
Doutor em Filosofia pela Universidade de São Paulo (USP) com estágio de pesquisa na Université Paris-I Panthéon-Sorbonne. Publicou os livros Deleuze: el laberinto de la imagen e Bergson: a metafísica da ação. Foi coordenador do GT de Filosofia Francesa Contemporânea da Associação Nacional de Pós-Graduação em Filosofia – ANPOF (2023-2025) e pesquisador colaborador do Departamento de Filosofia da USP (2024-2025). Atualmente, é professor da Universidade Federal do Recôncavo da Bahia (UFRB), onde coordena o Grupo de Estudos e Pesquisa em Estética – GEPE.

Mais informações e inscrições aqui.

Até lá!

Trabalho em foco, entre tensões e transformações

No dia 30 de abril, o cineclube Pedagogias da Imagem promoveu a exibição do longa Eles não usam black-tie (Brasil, 1981), de Leon Hirszman. Para guiar o nosso intenso debate pensando cinema, transformações do trabalho e lutas sociais – que se estendeu após o filme – contamos com o Doutor em Meios e Processos Audiovisuais pela ECA-USP, Reinaldo Cardenuto, a Doutora em Educação pela FE/UFRJ, Amanda Moreira, o Doutor em Sociologia e Antropologia pela UFRJ, Marco Aurélio Santana, e o Doutorando em História Social pelo Programa de Pós-Graduação em História da Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro (PPHR-UFRRJ), Thompson Clímaco.

Com a direção de Hirszman marcada por um estilo realista e documental, o filme conta a história da luta de classes no Brasil durante a ditadura militar numa linguagem direta e sem rodeios, sem dispensar o melodrama como solução para a aproximação do espectador. A história começa em um cinema, mostrando a volta para casa e o fim do entretenimento – ou, da alienação. No percurso, a realidade dos personagens vai sendo revelada e ao finalmente chegarem em casa temos um claro contraste da Avenida Paulista, por onde passaram; a face da São Paulo do desenvolvimento, que é sustentada pelos trabalhadores das fábricas; e do local para o qual estes trabalhadores retornam e chamam de lar. Com isto, o diretor abre a obra com uma mensagem explícita da inevitabilidade de confronto com a luta de classes, frente ao cenário político-social do Brasil.

O conflito central do filme é entre Otávio, o pai, e Tião, o filho. O pai encarna a figura da resistência, enquanto o filho a da passividade. O pai, tendo carregado nas costas uma longa história de opressão enquanto proletário, não vê outra escolha a não ser a ação grevista. Já Tião está à espera de seu primeiro filho, e adota uma atitude mais conservadora, embora compartilhe dos mesmos valores que seu pai. Desta forma, o cenário se divide entre a ordem e a justiça, o comodismo e a impaciência, nos levando tanto a compreender a atitude revolucionária quanto a nos compadecer com o conformismo. Esta dinâmica é também movimentada pelos afetos, uma vez que a motivação de Tião, apesar da desaprovação do pai, se dá pelo apreço que tem pela sua namorada e seu futuro filho – ou seja, pela sua nova família. É interessante pensar na construção deste personagem para pensar nos dilemas da luta sindical: a opção por se rebelar seria correr um risco, e o medo do risco é essencialmente um dos motores da opressão do capital. O constrangimento de abandonar ideais é superado pela ‘necessidade’ de se submeter ao sistema. Ao mesmo tempo, a causa sindical se revela, através do pai, para além da necessidade de reivindicações: um ideal moral e existencial.

No debate, refletimos o cinema como objeto de transformação social e o lugar do filme, tanto no momento em que foi lançado – dialogando com o próprio contexto e cenário no qual foi escrito -, quanto hoje em dia. Foram abordadas situações presentes no longa que se perpetuam: a violência policial seletiva aos corpos negros, a perda de direitos aceita com passividade sob o medo do desemprego – vide a defesa incansável da escala 6×1 nos últimos tempos – e relações de gênero exploradas a partir da dinâmica familiar dos protagonistas. Examinou-se também a capacidade parasita e opressora do capital através dos tempos, adaptando-se às novas demandas onde continua a se propagar, transformando-se de acordo com a dinâmica do novo tempo. Podemos perceber isto nos esforços do neoliberalismo para que a classe operária acredite numa “mentalidade de empresário”, abandonando sua identidade de trabalhador; na precarização do ensino e suas facetas (quando temos, de exemplo, formação de professores por ensino a distância), na uberização do trabalho e os efeitos alienatórios que sustentam uma falsa crença de liberdade através do individualismo.

No filme, Leon Hirszman constrói um cenário poderoso em que o pessoal e o social se fundem, revelando que essa divisão nunca existiu de fato. No núcleo familiar — espaço aparentemente local e privado —, desenvolve-se um drama profundamente humano, cujas fissuras ecoam uma problemática urgente e universal. É na intimidade do reconhecimento que nasce a aproximação capaz de gerar empatia e, por fim, libertação.

Texto:
Julia Facundo e Ana Carolina Gonçalves – extensionistas do projeto Pedagogias da Imagem

Fotos:
Rosana Andrade Afonso – bolsista PIBIAC do projeto Pedagogias da Imagem
Gabriel Cid – coordenador do projeto Pedagogias da Imagem

Sessão de maio aborda crises da subjetividade na era da economia da atenção

Na quarta-feira, 28 de maio, às 16h, o cineclube Pedagogias da Imagem exibirá o filme norueguês ‘Doente de mim mesma’, de Kristoffer Borgli.

O filme gira em torno da personagem Signe (Kristine Kujath Thorp, de ‘A pior pessoa do mundo‘), imersa em um relacionamento competitivo com seu companheiro, um artista conceitual. Ao se perceber ofuscada pelo reconhecimento e fama do namorado, Signe buscará medidas extremas para recuperar atenção, chegando ao ponto de prejudicar a própria saúde para tanto. Com humor ácido e por vezes incômodo, esta comédia de Kristoffer Borgli encena algumas das patologias e contradições inerentes à cultura contemporânea.

Após a exibição, teremos a mesa Subjetividade, sofrimento e espetáculo na era da economia da atenção, com a participação de Anna Bentes e Murilo Galvão Amancio Cruz. Teremos a alegria e a honra de recebê-los para pensar com o filme e o público sobre as questões que ele suscita, explorando temas como as tensões entre vida social e performatividade, saúde mental, psicologia, tecnologia e medicalização na cultura contemporânea.

A sessão acontece no Auditório Manoel Maurício, do Centro de Filosofia e Ciências Humanas (CFCH). A entrada é franca e a atividade é voltada para o público geral, indicada para pessoas a partir de 16 anos. Se ainda não fez, faça já sua inscrição aqui no link.

Anote os detalhes:

Exibição do filme:
Doente de mim mesma
(Syk pike – Noruega/Suécia/Dinamarca/França, 2022), de Kristoffer Borgli. Duração: 1h33min 

seguido da mesa 

SUBJETIVIDADE, SOFRIMENTO E ESPETÁCULO NA ERA DA ECONOMIA DA ATENÇÃO
com as)(os) convidadas(os):

Anna Bentes
Doutora em Comunicação e Cultura pelo Programa de Pós-Graduação em Comunicação da UFRJ. Graduada em Psicologia pela UFRJ. Professora de Graduação na Escola de Comunicação, Mídia e Informação da Fundação Getúlio Vargas (ECMI FGV). Membro do Conselho Diretivo da Rede Latino Americana de Estudos de Vigilância, Tecnologia e Sociedade (LAVITS) e pesquisadora do Medialab.UFRJ. Atua na interseção entre Comunicação, Psicologia e Tecnologia, investigando os impactos das tecnologias e redes digitais em nossas sociedades e subjetividades, com ênfase em aspectos psicológicos, tecnopolíticos e culturais. É autora do livro ‘Quase um tique: economia da atenção, vigilância e espetáculo em uma rede social’.

Murilo Galvão Amancio Cruz
Doutor em Saúde Coletiva pelo Instituto de Medicina Social da UERJ (IMS/UERJ). Realizou estágio de pesquisa no Centre Georges Canguilhem, Université Paris Diderot – Paris 7. Integrou o grupo de pesquisa ‘Medicamentos: aspectos sócio-históricos e epidemiológicos’, e é membro do grupo de pesquisa ‘Deleuze/Guattari e Foucault, elos e ressonâncias’. Atualmente é professor do curso de Psicologia da UNESA e servidor técnico-administrativo da UFRJ, atuando na Escola de Serviço Social (ESS/UFRJ). Atua principalmente com os seguintes temas: medicalização, psiquiatrização, instituições socioeducativas, saúde mental, Georges Canguilhem e circulação social das ideias.

Se você curtiu, compartilhe e divulgue para amigos e demais interessados. E o principal: anote a data e programe-se!  

 🗓️ Data: 28/05/2025
⏰ Horário: 16h
📌 Local: Auditório Manoel Maurício – CFCH (Campus Praia Vermelha – Avenida Venceslau Brás, 71 – Botafogo)


Sessão de abril celebra o dia dos trabalhadores

Na próxima quarta-feira, 30 de abril – véspera do dia dos trabalhadores –, o cineclube Pedagogias da Imagem retoma suas sessões presenciais em um novo dia e horário. Além disso, contará com uma programação especial para esta abertura da temporada. Exibiremos o filme ‘Eles não usam black-tie’, de Leon Hirszman, seguido da mesa ‘Cinema, transformações do trabalho e lutas sociais’.

Marco da década de 80 do cinema brasileiro, o filme é baseado na peça homônima de Gianfrancesco Guarnieri. Leon Hirszman encena as tensões sociais, a força coletiva e os impasses individuais disparados por um movimento grevista e seus desdobramentos, no fim dos anos 70, ao longo do período da ditadura militar no Brasil. O filme ganhou o Prêmio Especial do Júri do Festival de Veneza em 1981.

Após a exibição do filme, teremos um debate com quatro convidadas(os), que trarão perspectivas interdisciplinares sobre a obra. A ideia é que a mesa promova diálogos entre o filme e suas áreas de pesquisa e atuação, além de provocar reflexões sobre como ele nos interpela hoje, diante dos desafios contemporâneos do trabalho. Você está convidada(o) para esta celebração antecipada do dia dos trabalhadores. Venha, participe e divulgue!

A sessão acontece no Auditório Manoel Maurício, do Centro de Filosofia e Ciências Humanas (CFCH). A entrada é franca e a atividade é voltada para o público geral, indicada para pessoas a partir de 14 anos. Faça sua inscrição aqui. Até lá!

Exibição do filme:
Eles não usam black-tie
(Brasil, 1981), de Leon Hirszman. Duração: 120 min. 

seguido da mesa 

CINEMA, TRANSFORMAÇÕE DO TRABALHO E LUTAS SOCIAIS 
com as)(os) convidadas(os):

Reinaldo Cardenuto
Doutor em Meios e Processos Audiovisuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA-USP), com graduação em Jornalismo (PUC-SP) e Ciências Sociais (FFLCH-USP). Professor do Departamento de Cinema e Vídeo da Universidade Federal Fluminese (UFF). Pesquisador em Cinema, História e Dramaturgia, é também documentarista e integrante do Grupo de Pesquisa ‘História e Audiovisual: circularidades e formas de comunicação’, do CNPq. É autor do livro ‘Por um cinema popular: Leon Hirszman, política e resistência’, finalista do prêmio Jabuti em 2021. 

Amanda Moreira
Doutora em Educação pela FE/UFRJ, com pós-doutorado em Sociologia do Trabalho (Unicamp). Professora da UERJ e do Programa de Pós-Graduação em Políticas Públicas e Formação Humana (PPFH/UERJ). Líder do Núcleo de Estudos e Pesquisas sobre Trabalho, Educação e Sociedade (Neptes/Uerj), integrante do Coletivo de Estudos em Marxismo e Educação (Colemarx/UFRJ) e do Grupo Mundo do Trabalho e suas Metamorfoses (GPMT/Unicamp). Pesquisadora com foco em precarização do trabalho de professores na educação básica e superior. Atual presidente da Associação de Docentes da UERJ (Asduerj).

Marco Aurélio Santana
Doutor em Sociologia e Antropologia pela UFRJ, com estágios na University of Manchester e pós-doutorado na École des Hautes Études en Sciences Sociales – EHESS. Professor de Sociologia do Departamento de Sociologia e do Programa de Pós-Graduação em Sociologia e Antropologia (PPGSA/UFRJ). Integra o grupo de pesquisa Pratiques, Travail, Organisation (PraTO-CRH/EHESS). Pesquisador do CNPq e Cientista do Nosso Estado (FAPERJ), atuando nos temas da transformação do trabalho, plataformas digitais, lutas sociais e ação coletiva na era digital.

Thompson Clímaco
Doutorando em História Social pelo Programa de Pós-Graduação em História da Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro (PPHR-UFRRJ), onde é bolsista FAPERJ Nota 10. Mestre em História Social pelo Programa de Pós-Graduação em História Social da Universidade Federal do Rio de Janeiro (PPGHIS-UFRJ), também como bolsista FAPERJ Nota 10. Integra o Laboratório de Estudos de História dos Mundos do Trabalho (LEHMT-UFRJ) e o Grupo de Estudos Mundos do Trabalho e Pós-Abolição (UFRRJ). Pesquisa história social do trabalho, escravidão, pós-abolição, mundo rural e relações entre raça e classe, com produções acadêmicas e audiovisuais sobre esses temas.

A ENTRADA É FRANCA e a atividade é voltada para o público geral, indicada para pessoas a partir de 14 anos. 

 🗓️ Data: 30/04/2025
⏰ Horário: 16h
📌 Local: Auditório Manoel Maurício – CFCH (Campus Praia Vermelha – Avenida Venceslau Brás, 71 – Botafogo) 

Solidão, vida, tecnologia e os dilemas da inteligência artificial

No dia 5 de novembro, o Cineclube Pedagogias da Imagem se reuniu para a última sessão do ano com a exibição do longa Ela (Her), de Spike Jonze, seguida da palestra Inteligência artificial: entre promessas futuras e realidades presentes, com a antropóloga Carolina Parreiras.

O filme não mede esforços em nos aproximar do protagonista, Theodore, que passa pela dolorosa separação de sua parceira, Catherine. Ele é do começo ao fim um homem inegavelmente solitário. Vemos isto nas tantas cenas em que ele anda pelas ruas por conta própria, em direção contrária às outras pessoas, dando a ideia de não reconhecimento e estranhamento em relação a quem ou o quê está ao seu redor; nos momentos em que ele interage com o casal de amigos, Paul e Amy, eles nunca estão presentes no mesmo corte, evidenciando sua solidão.

Outro fator que colabora para esta imagem é a fotografia da obra – assinada por Van Hoytema. Ele a colore em tons quentes, nos convencendo à empatia e, ao mesmo passo, quase faz com que entremos na história e assumamos o papel do protagonista, tomando exatamente as mesmas atitudes dele, tão mergulhados em uma compreensão que antes parecia impossível: quem diria que uma obra cinematográfica seria capaz de nos convencer a amar um sistema operacional?

Samantha, encantadora a princípio – só por simplesmente carregar a voz de Scarlett Johansson -, não demora muito para nos fazer levantar dentro de nós questionamentos acerca dos limites da tecnologia e do indivíduo, tão banhada de humanidade que chega a aproximar as duas coisas de maneira que, de vez em quando, por descuido, as enxergamos como uma só. Ela se prova digna de um voto de confiança quando traz indagações quase tão velhas e perpétuas quanto o tempo em que estamos neste mundo, como a questão da consciência e corporeidade: penso, logo existo. Por que isso não serviria para ela?

Esta obra especulativa com certeza foi semente de um intenso debate, que foi da exploração do caráter benéfico ou prejudicial da tecnologia, em relação com o problema da solidão. Podemos nos perguntar se as coisas são mesmo tão simples assim: será que a tecnologia é mesmo uma grande vilã, ou estamos distraídos demais para enxergar a quem realmente pertence a culpa? Pensamos sobre os contextos em que ela se origina e circula, o que nos permite entender que nem mesmo sua extinção impediria a alienação e todas as consequências que lhe sucedem.

Além disso, no debate, tivemos reflexões sobre o quão atual é o filme, apesar de ter sido produzido há pouco mais de dez anos. Quem sai de casa hoje sem seu smartphone? Ou melhor, quem não sente, de vez em quando, que este dispositivo é como a nossa casa, com todas as coisas belas aos nossos olhos, as músicas que amamos, todos os contatos que nos interessam… Fazemos dele um armazenamento de quem somos e cada vez ele nos conhece mais. É a partir desta confiança que nele depositamos que são gerados, por sua vez, anúncios capazes de seduzir, a ampliação da publicidade e da vigilância, uma manobra de aproximação que não se difere muito da de Samantha. Não é como se estivéssemos cotidianamente conferindo uma vida ao nosso aparelho? Afinal, quão diferente somos de Theodore? Não estaríamos todos experienciando um pouco a solidão e suas estranhas soluções à nossa disposição?

Mas não percamos o foco: Her é, acima de tudo, uma história de amor transumanista e humanista ao mesmo tempo: primeiro, nos provoca esta imersão e identificação, para depois provar a nossa natureza complexa e o reflexo dela em nossas relações interpessoais; as múltiplas possibilidades do romance como múltiplas possibilidades humanas, mas acima de tudo o reconhecimento de uns nos outros por meio da solitude.

Texto:
Julia Facundo – extensionista do projeto Pedagogias da Imagem

Fotos:
Carolina Moreira – extensionista do projeto Pedagogias da Imagem

O cinema introspectivo e cerebral de Spike Jonze em ‘Ela’


Na sessão de encerramento do ano, o cineclube Pedagogias da Imagem traz o longa-metragem “Ela” (Her – EUA, 2013), de Spike Jonze, seguido da palestra Inteligência artificial: entre promessas futuras e realidades presentes com a antropóloga Carolina Parreiras. 

O filme conta a história de Theodore (Joaquim Phoenix), um homem que busca superar o divórcio e recorre a um sistema operacional baseado em inteligência artificial, como tentativa de combater a solidão. Ele acaba se apaixonando por Samantha, voz do sistema operacional, dublada pela Scarlett Johansson.

‘Ela’, de pouco mais de dez anos atrás, é o último longa do Spike Jonze até a data de hoje. O filme evoca uma ressonância com ‘Encontros e desencontros’ (Lost in translation – EUA, 2003), da Sofia Coppola, diretora que ainda era casada com Jonze na época, de quem se divorciou pouco depois. O filme de Jonze poderia ser lido também como uma resposta e até um pedido de desculpas. Em ‘Encontros e desencontros’, a personagem Charlotte (também interpretada pela Scarlett Johansson), se sente sozinha e coadjuvante em meio às viagens do marido, atravessando um período de mudanças até encontrar Bob (Bill Murray). Em ‘Ela’, Samantha paralelamente se aprimora e se compartimenta para “viver” mais, explicitando como as personagens masculinas, Theodore e John – marido da Charlotte -, estão presos em uma fantasia do que seria esse amor.

Spike Jonze possui uma carreira marcada pela diversidade de produções, sendo também produtor, diretor de videoclipes, filmes esportivos de skate, roteirista e diretor. Seus filmes mais autorais costumam levar tempo para ser produzidos (ao longo de 25 anos, ele possui apenas 4 longas em sua filmografia mais autoral). Seus primeiros longas foram parcerias com o roteirista Charlie Kaufman, ‘Quero ser John Malkovich’ e ‘Adaptação’. Ambos os filmes ajudaram a pavimentar um estilo ágil e cerebral que seria a marca de seus trabalhos, articulando elementos introspectivos e filosóficos com a versatilidade da narrativa e da montagem, explorando temas existenciais e psicológicos, por vezes surreais.

Em ‘Ela’, Samantha passa por um processo dialético de humanização: ela se humaniza ao mesmo tempo em que é humanizada. Ela é um sistema que não desenvolve sentimentos, sendo as suas reações respostas ao seu uso, o modo pelo qual se adapta e se porta perante suas interações. Desta forma, o filme nos permite pensar sobre um tema cada vez mais presente no nosso cenário contemporâneo, o impacto e a capilarização de sistemas de inteligência artificial nas nossas vidas.

A sessão ocorrerá hoje, dia 05/11 no Auditório Manoel Maurício de Albuquerque (prédio do CFCH), no Campus da Praia Vermelha/UFRJ. Não perca!

Por Júlia Facundo e Isabela Felippe
– Extensionistas do projeto Pedagogias da Imagem